Lược sử âm nhạc: Giới thiệu

Trong tất cả các xác suất, âm nhạc đã đóng một vai trò quan trọng trong vòng đời của con người, có lẽ ngay cả trước khi chúng ta biết nói. Bằng chứng đáng kể đã được phát hiện rằng con người từ rất sớm đã phát triển các loại sáo nguyên thủy từ xương động vật và sử dụng đá và gỗ làm bộ gõ.

Giọng nói sẽ là phương tiện biểu đạt đầu tiên và tự nhiên nhất ở tổ tiên xa xôi của chúng ta, được sử dụng để gắn kết xã hội hoặc an ủi một đứa trẻ mất ngủ. Chính từ những khởi đầu khiêm tốn này mà âm nhạc mà chúng ta thưởng thức ngày nay đã phát triển.

Khi tiến xa hơn qua lịch sử âm nhạc, chúng ta ngày càng tìm thấy bằng chứng về vai trò quan trọng của nó trong các bối cảnh thiêng liêng và thế tục, mặc dù sự phân chia thành các thể loại này không được xác định theo cách này cho đến nhiều năm sau đó.

Xem thêm:

• 5 điều cần nghe khi chọn piano
• Đàn organ 76 phím hay nhất

Lịch sử âm nhạc

Những ảnh hưởng từ phương tây sang phương đông đã hòa nhập vào âm nhạc tiền Cơ đốc của người Hy Lạp và sau đó là người La Mã. Các thực hành và quy ước âm nhạc có lẽ được truyền đạt bởi các nhạc sĩ lưu động đã mang lại vô số sự đa dạng và phát minh.

Ký hiệu Hy Lạp tồn tại từ thời kỳ lịch sử âm nhạc này đã cho các nhà khoa học và nhà âm nhạc học như nhau một manh mối quan trọng về cách mà âm nhạc thời đó có thể phát ra. Nó chắc chắn chỉ ra mối liên hệ đáng chú ý với âm nhạc sẽ theo sau, có lẽ đáng chú ý nhất là thông qua việc sử dụng các điệu thức trong âm nhạc Hy Lạp.

Trong các bức bích họa và trong một số tài liệu viết, bao gồm cả Kinh thánh, chúng ta đã tìm hiểu về các nhạc cụ đặc trưng trong thời La Mã và Hy Lạp và tầm quan trọng của chúng đối với các nền văn hóa. Kèn kèn như một nhạc cụ thông báo và buổi lễ lộng lẫy, hay đàn lia như một người chơi không thể thiếu trong các bài hát của các nhà thơ.

Trên khắp châu Âu từ đầu thế kỷ thứ nhất, các tu viện và tu viện đã trở thành nơi mà âm nhạc trở thành nơi gắn bó với cuộc sống của những người sùng kính Chúa và những người theo họ.

Cơ đốc giáo đã thành lập chính nó và cùng với nó là một phụng vụ mới đòi hỏi một thứ âm nhạc mới. Mặc dù âm nhạc Cơ đốc ban đầu có nguồn gốc từ tập quán và tín ngưỡng của người Hebrew, nhưng điều xuất hiện từ điều này là trở thành nền tảng cho âm nhạc thiêng liêng trong nhiều thế kỷ tiếp theo. Các bài thánh ca được sáng tác một cách sùng đạo theo các bản văn tiếng Latinh thiêng liêng theo một cách thức được kiểm soát chặt chẽ và chỉ dành cho sự vinh hiển của Đức Chúa Trời. Âm nhạc phụ thuộc rất nhiều vào lời nói, không có sự hoa mỹ hay phù phiếm.

Đó là Giáo hoàng Gregory (540-604 SCN), người được ghi nhận là người đã thúc đẩy sự phát triển của âm nhạc thiêng liêng và phát triển cái mà ngày nay được gọi là Gregorian Chant, đặc trưng bởi âm thanh ám ảnh của phần mở thứ năm hoàn hảo.

Một số tranh cãi xung quanh tuyên bố này, nhưng cái tên đã bị mắc kẹt và âm nhạc vẫn khác biệt và cực kỳ quan trọng khi nó chuyển dần khỏi sự đơn giản theo hướng đa âm. Điều này, đến lượt nó, nhìn lại thời gian và phong tục trước đó, đặc biệt là trong âm nhạc của người Do Thái, nơi ý tưởng về một chiếc máy bay không người lái tĩnh thường làm nền tảng cho tuyến giọng thứ hai.

Thời kỳ trung cổ

Khi chúng ta tiến lên trong thời gian âm nhạc, chúng ta bắt đầu bước vào Thời kỳ Trung cổ của âm nhạc, có thể được thống nhất chung là kéo dài khoảng thời gian từ khoảng năm 500 sau Công nguyên cho đến giữa thế kỷ XV. Vào thời điểm này, âm nhạc là một nghệ thuật thống trị trong các quán rượu đến thánh đường, được các vị vua thực hành cho đến những người ăn uống. Chính trong thời kỳ âm nhạc kéo dài này, âm thanh của âm nhạc ngày càng trở nên quen thuộc. Điều này một phần là do sự phát triển của ký hiệu âm nhạc, phần lớn trong số đó đã tồn tại, cho phép chúng ta quay trở lại thời kỳ hấp dẫn này.

Từ bản nhạc viết còn sót lại từ các tu viện và các tài liệu quan trọng khác về các hoạt động âm nhạc, có thể tạo ra hình ảnh về một nền văn hóa sống động trải dài từ thiêng liêng đến thế tục. Trong suốt thời kỳ Trung cổ, âm nhạc dần dần bắt đầu áp dụng những cấu trúc và thiết bị ngày càng phức tạp hơn để tạo ra những tác phẩm có vẻ đẹp và sự tận tâm vô cùng.

Hildegard von Bingen và Perotin đã đi tiên phong trong nhiều hình thức âm nhạc mà chúng ta vẫn công nhận ngày nay bao gồm motet và Thánh lễ. Đó là hình thức đa âm tuyệt vời vừa mê hoặc vừa thú vị.

Thời kỳ Phục hưng

Các nhạc cụ được phát triển phù hợp với trí tưởng tượng của nhà soạn nhạc. Một loạt các nhạc cụ gió, đồng thau và bộ gõ đã đi cùng với âm nhạc Trung Cổ, mặc dù giọng nói của con người vẫn chiếm ưu thế trong nhiều tác phẩm. Đến gần thời kỳ trung cổ cao, chúng ta nhận thấy sự xuất hiện của các tác phẩm nhạc cụ theo đúng nghĩa của chúng, từ đó mở đường cho nhiều hình thức âm nhạc trong thời kỳ sau: Thời kỳ Phục hưng.

Trước khi rời khỏi thời kỳ âm nhạc này, điều quan trọng là phải nhắc đến Troubadours và Trouveres. Những người kể chuyện và nhạc sĩ du lịch này đã bao phủ những khoảng cách rộng lớn trong chuyến hành trình của họ xuyên Châu Âu và xa hơn nữa là đến Châu Á. Họ kể những câu chuyện, hát những bản ballad và có lẽ quan trọng nhất là mang theo những ảnh hưởng từ xa và rộng, kết hợp nhuần nhuyễn với các nền văn hóa âm nhạc phương Tây.

Thời kỳ Phục hưng (1450 – 1600) là thời kỳ hoàng kim trong lịch sử âm nhạc. Được giải phóng khỏi những ràng buộc của các quy ước âm nhạc thời Trung cổ, các nhà soạn nhạc của thời kỳ Phục hưng đã tạo ra một con đường mới về phía trước. Josquin des Prez được coi là một trong những nhà soạn nhạc đầu thời Phục hưng là bậc thầy vĩ đại của phong cách đa âm, thường kết hợp nhiều giọng để tạo ra kết cấu âm nhạc phức tạp.

Sau này Palestrina, Thomas Tallis và William Byrd xây dựng dựa trên ý tưởng của des Pres để sáng tác một số tác phẩm môtô, quần chúng, chanson và nhạc cụ tuyệt vời nhất theo đúng nghĩa của họ. Tính hài hòa được thiết lập vững chắc làm cơ sở cho mọi sự hài hòa, và mặc dù các quy tắc nghiêm ngặt quản lý việc sử dụng sự bất hòa, phẩm chất biểu đạt của âm nhạc thời Phục hưng là vô song.

Khi các tác phẩm nhạc cụ được chấp nhận vào các tiết mục, chúng tôi nhận thấy sự phát triển của các nhạc cụ như kèn bassoon và kèn trombone làm nảy sinh các nhóm nhạc cụ lớn hơn và phức tạp hơn.

Điều này cho phép các nhà soạn nhạc có nhiều phạm vi hơn để khám phá và thể hiện những ý tưởng sáng tạo của họ so với trước đây. Họ vi phạm đã phát triển để cung cấp một chất lượng rất đặc biệt, ám ảnh cho phần lớn âm nhạc thời đó cùng với việc thiết lập từng họ nhạc cụ dễ nhận biết bao gồm, bộ gõ, dây, woodwind và kèn đồng.

Các nhạc cụ bàn phím cũng ngày càng trở nên phổ biến và sự ra đời của bản sonata cũng theo đó mà ra đời. Các hình thức phổ biến khác của nhạc cụ bao gồm toccata, canzona và ricercar, trừ một số ít, phát ra từ điệu nhảy Courtly.

Vào cuối thời kỳ Phục hưng, những gì được gọi là Chế độ Nhà thờ bắt đầu tan biến để thay thế cho những gì ngày nay được coi là sự hài hòa chức năng hoặc âm sắc dựa trên một hệ thống các phím hơn là các chế độ.

Thời kỳ Baroque

Thời kỳ Baroque (1600-1760), có một số nhà soạn nhạc và tác phẩm nổi tiếng nhất mà chúng ta có trong Âm nhạc Cổ điển Phương Tây. Nó cũng chứng kiến ​​một số phát triển âm nhạc và nhạc cụ quan trọng nhất. Ý, Đức, Anh và Pháp tiếp tục thống trị bối cảnh âm nhạc từ thời Phục hưng, mỗi bên ảnh hưởng đến nhau bằng các quy ước và phong cách.

Trong số rất nhiều nhà soạn nhạc nổi tiếng thời bấy giờ, G F Handel, Bach, Vivaldi và Purcell cung cấp một phần giới thiệu đáng kể về âm nhạc của thời đại này. Chính trong khoảng thời gian lấp lánh này, Handel đã sáng tác oratorio “The Messiah”, Vivaldi “Four Seasons”, Bach sáu “Brandenburg Concertos” và “48 Preludes and Fugues”, cùng với vở opera “Dido và Aeneas” của Purcell .

Nhạc cụ được sáng tác và biểu diễn song song với các tác phẩm thanh nhạc, mỗi tác phẩm đều có tầm quan trọng ngang nhau trong thời kỳ Baroque. Kỹ thuật điêu luyện bắt đầu từ các nghệ sĩ biểu diễn thời Phục hưng ưu tú đã phát triển mạnh mẽ trong Baroque. Hãy xem xét những bản Sonata bàn phím của Domenico Scarlatti hoặc những bản Concertos mà Vivaldi đã sáng tác cho các học sinh biểu diễn của mình. Điều này dẫn đến những phát triển quan trọng về nhạc cụ, và nhờ sự hỗ trợ quý tộc của Catherine Medici, người đã cho ra đời cây đàn Violin.

Các hình thức âm nhạc phổ biến được thành lập dựa trên các nguyên tắc của các nhà soạn nhạc thời Phục hưng nhưng được mở rộng và phát triển theo những cách mà họ có lẽ không thể tưởng tượng được. Suite đã trở thành một yêu thích của Baroque, bao gồm các chuyển động nhanh chậm tương phản như Khúc dạo đầu; Allemande, Gigue, Courante và Sarabande. Concertos trở nên phổ biến hơn bao giờ hết, tạo cơ hội cho các nghệ sĩ chơi nhạc cụ thể hiện sức mạnh kỹ thuật và biểu cảm của họ.

Thanh nhạc tiếp tục bao gồm Thánh lễ nhưng bây giờ còn có Oratorio và Cantata cùng với các bản hợp ca và hợp xướng. Opera xuất hiện một cách nghiêm túc trong thời kỳ Baroque và trở thành một hình thức và phương tiện âm nhạc lâu đời cho sự biểu đạt và sự đa dạng đáng kinh ngạc.

Càng ngày, sự hài hòa được ưu tiên là âm sắc và hệ thống các phím (chính và phụ), được chấp nhận để ủng hộ các điệu thức. Điều này giải quyết những hạn chế của các chế độ và mang đến cho các nhà soạn nhạc cơ hội tạo ra các tác phẩm phức tạp và biểu cảm hơn bao giờ hết, kết hợp các kết cấu đa âm và động lực học thú vị.

Ký hiệu đi kèm với những phát triển này và dần dần chúng tôi thấy rằng độ chính xác của các tác phẩm của nhà soạn nhạc trở nên chính xác và chi tiết hơn, cho chúng ta khả năng hiện thực hóa ý định của họ trong các buổi biểu diễn ngày nay tốt hơn.

Giai đoạn cổ điển

Từ Baroque, chúng ta bước sang Thời kỳ Cổ điển (1730-1820). Ở đây Haydn và Mozart thống trị bối cảnh âm nhạc và Đức và Áo là trung tâm sáng tạo của thời kỳ này. Từ các nhà soạn nhạc Baroque được trang trí công phu của thời kỳ Cổ điển đã chuyển từ đa âm sang đồng âm, viết nhạc mà trên bề mặt của nó ít nhất là đơn giản, kiểu dáng đẹp và được đo lường.

Một phát triển quan trọng là của Piano. Đàn harpsichord Baroque được thay thế bằng đàn piano ban đầu, một nhạc cụ biểu cảm và đáng tin cậy hơn. Mozart và Haydn mỗi người đã viết một số lượng lớn các tác phẩm cho Piano, điều này đã cho phép loại nhạc cụ này phát triển đáng kể trong thời kỳ này.

Nhạc thính phòng cùng với nhạc hòa tấu là một nét đặc trưng của Kỷ nguyên Cổ điển với sự chú ý đặc biệt của Nhóm Tứ tấu String. Orc

Bản thân hestra đã được thiết lập vững chắc và đến cuối thời kỳ cuối cùng của thời kỳ này bắt đầu bao gồm clarinet, tromone và timpani.

Sự nổi lên của nghệ sĩ biểu diễn điêu luyện tiếp tục trong suốt thời kỳ âm nhạc này, thể hiện qua nhiều bản hòa tấu và sonata được sáng tác trong thời gian này. Opera phát triển mạnh mẽ trong những thập kỷ này và trở thành một loại hình giải trí âm nhạc hoàn chỉnh, vượt xa giấc mơ của các nhà soạn nhạc Baroque.

Thời kỳ lãng mạn

Khi Kỷ nguyên Cổ điển khép lại, Beethoven là nhà soạn nhạc đáng chú ý nhất, người đã đóng góp to lớn vào việc thay đổi Kỷ nguyên Lãng mạn (1780 – 1880). Thiên tài vĩ đại của Beethoven đã định hình trong vài thập kỷ tiếp theo với việc xác định lại đáng kể nhiều quy ước âm nhạc đã được thiết lập của thời đại Cổ điển. Tác phẩm của ông về hình thức Sonata trong các bản hòa tấu, giao hưởng, tứ tấu đàn dây và sonata, gần như không có nhà soạn nhạc nào khác sánh kịp.

Thời kỳ Lãng mạn chứng kiến ​​những bước phát triển to lớn về chất lượng và phạm vi của nhiều loại nhạc cụ đã khuyến khích một cách tự nhiên âm nhạc đa dạng và biểu cảm hơn bao giờ hết từ các nhà soạn nhạc. Các hình thức âm nhạc như dàn nhạc Lãng mạn đã trở thành những cảnh quan rộng lớn, nơi các nhà soạn nhạc trao quyền thống trị trọn vẹn và không gò bó cho những cảm xúc và ước mơ sâu sắc nhất của họ.

Berlioz trong “Symphonie Fantastique” là một ví dụ điển hình về điều này, hay sau này là Wagner trong các vở opera lớn của ông. Các bản giao hưởng của Gustav Mahler đứng như những cột đá thành tựu vào cuối thời kỳ Lãng mạn bên cạnh những bài thơ đồng điệu của Richard Strauss. Thời kỳ Lãng mạn giới thiệu cho chúng ta một loạt các thể loại âm nhạc phong phú mà chỉ đến cuối thế kỷ 19 mới bắt đầu tàn lụi.

Thật khó để hình dung điều gì có thể tiếp nối một thời kỳ hào hùng, hào hùng như vậy trong lịch sử âm nhạc nhưng khi chúng ta tiến vào Thế kỷ 20, bối cảnh âm nhạc có một bước chuyển mình ấn tượng. Những âm vang của Kỷ nguyên lãng mạn vẫn còn xuyên suốt thế kỷ tới trong các tác phẩm của Elgar, Shostakovich và Arthur Bliss, nhưng chính âm nhạc từ Pháp mà chúng ta có chủ nghĩa ấn tượng mang tên mới lấp lánh theo đường lối âm nhạc của chúng ta.

Debussy và Ravel là những người mở đầu cho phong trào đầy màu sắc này song song với các tác phẩm nghệ thuật của Monet và Manet. Những gì chúng ta nghe thấy trong âm nhạc của những người theo trường phái ấn tượng quay trở lại với nhiều hình thức phổ biến của Baroque nhưng theo những cách mà Bach không thể lường trước được. Hệ thống âm sắc chuyển đổi để bao gồm một loạt các quy mô và ảnh hưởng từ Phương Đông cho phép các nhà soạn nhạc viết một số tác phẩm tuyệt vời nhất từng được nghe.

Cả Ravel và Debussy đều sáng tác nhiều cho piano bằng cách sử dụng thơ để làm cảm hứng. Các tác phẩm của dàn nhạc của họ là một trong số những tác phẩm đẹp nhất và giàu sức gợi từng được viết.

Song song đó, thế giới Teutonic bắt đầu trải qua cuộc cách mạng của chính nó dưới hình thức trường học Viennese thứ hai, do Arnold Schoenberg lãnh đạo. Vỡ mộng với sự hạn chế của âm sắc Schoenberg đã ném bỏ hệ thống âm sắc để chuyển sang một hệ thống nối tiếp mười hai giai điệu mới cho mỗi bước của thang âm sắc có giá trị âm nhạc như nhau. Kết quả là âm nhạc nối tiếp hoàn toàn không ổn định và biến đổi bối cảnh âm nhạc gần như vượt xa bất cứ điều gì đã xảy ra trước đó.